Desenho e História da Arte

Trabalhos turma de Design de Interiores III

2011-11-27T13:21:00.002-02:00

Última postagem, continuação das postagens anteriores.
Mais trabalhos das alunas do curso de Design de Interiores da SOCIESC.

Aluna: Luana

Artista escolhido: Picasso

2 imagens do artista:

Aluna: Monique

Arquiteto escolhido: Oscar Niemeyer

2 imagens do arquiteto:

Aluna: Priscila

Artista escolhido: Van Gogh

2 imagens do artista:

Aluna: Sabrina

Artista escolhido: Van Gogh

2 imagens do artista:

Aluna: Sintia

Artista escolhido: Van Gogh

2 imagens do artista:

Aluna: Stephanie

Artista escolhido: (Movimento artístico) Op Art

2 imagens do artista:

Parabéns a todas as alunas pela criatividade!

Trabalhos turma de Design de Interiores II

2011-11-25T19:41:00.002-02:00

Mais alguns trabalhos da turma de Design de Interiores. Essa postagem é uma continuação desse post.

Aluna: Caroline

Artista escolhido: Van Gogh

2 imagens do artista:

Aluna: Claudete

Arquiteto escolhido: Oscar Niemeyer

2 imagens do arquiteto:

Aluna: Daniela

Artista escolhido: Van Gogh

2 imagens do artista:

Aluna: Elisabete

Artista escolhido: Vik Muniz

2 imagens do artista:

Aluna: Jennifer

Artista escolhido: Oscar Niemeyer

2 imagens do artista:

Aluna: Jéssica

Artista escolhido: Picasso

2 imagens do artista:

Em breve postarei mais fotos! Aguardem!

Trabalhos turma de Design de Interiores

2011-11-23T21:04:00.007-02:00

Posto a vocês os trabalhos da minha antiga turma de Design da Interiores da SOCIESC, da disciplina que lecionei "História e Interpretação do Design e Arquitetura" na qual a atividade consistiu em montar um ambiente através do desenho com perspectiva, inspirado em artista ou arquiteto previamente selecionado.

Na primeira etapa da atividade a turma foi dividida em equipes e cada equipe pesquisou a vida, obra e estilo de cada artista para aprofundar-se mais no estilo de cada um. A principal pergunta era: se você fosse construir um interior para o artista ou com a cara do artista, como ele seria? E o resultado foi esse:

Aluna: Aline

Artista escolhido: Frida Kahlo

2 imagens da artista:

Aluna: Ana Camila

Artista escolhido: Caravaggio

2 imagens do artista:

Aluna: Bruna Barreto

Artista escolhido: Leonardo da Vinci

2 imagens do artista:

Aluna: Bruna Luiza

Artista escolhido: Frangelico

2 imagens do artista:

Aluna: Camila

Artista escolhido: Vik Muniz

2 imagens do artista:

Amanhã postarei mais 6 trabalhos de 6 alunas! Aguardem!

Artigo publicado em 2011

2011-09-03T16:11:00.000-03:00

Prezados,

como está praticamente impossível de postar mais matérias de História da Arte, começarei a postar alguns artigos sobre materiais educativos que venho escrevendo.

Espero que gostem.

Att.

Juli Rossi

(artigo aprovado no V SIICA - Univille em 2011)

ANÁLISE DE MATERIAIS EDUCATIVOS INTERNACIONAIS:

UMA INVESTIGAÇÃO CONCEITUAL E METODOLÓGICA

Juliana Rossi

Alena Marmo

Este artigo relata e identifica as concepções conceituais e metodológicas presentes em materiais educativos internacionais estudados no projeto de pesquisa intitulado “Materiais Educativos de Arte: uma investigação conceitual e metodológica”. Trata-se da continuação da pesquisa “Materiais Artísticos Pedagógicos: uma investigação conceitual e metodológica” desenvolvida durante o ano de 2010 que consistiu na investigação e análise de materiais educativos vinculados ou não a exposições de arte, elaborados e produzidos por instituições culturais, tais como Fundações, Museus, Institutos, etc. O título do projeto dessa pesquisa teve o termo “pedagógico” substituído por “educativo” em 2011, pois o termo “pedagógico” causa a impressão de tratar-se de atividades prontas, como uma fórmula, enquanto “educativo” pressupõe a construção do conhecimento. Alguns materiais educativos produzidos a partir de 2005 utilizam este termo, como por exemplo, o material do museu Lasar Segall.

Durante a realização da pesquisa, em 2010, foram adquiridos novos materiais com novos formatos. Desses novos formatos, é possível constatar CDs, jogos, materiais inclusivos (cegos e socioculturais), virtuais (websites) e principalmente internacionais. Pela grande gama de materiais internacionais obtidos, fez-se necessário um aprofundamento das análises e necessidade de ampliação do foco, pois entende-se que muitos dos materiais internacionais possuem uma concepção educativa de apresentação diferente dos materiais nacionais.

Tal investigação servirá de fundamento para a elaboração da estrutura metodológica de um novo material educativo a ser construído a partir de imagens de arte brasileira do banco de imagens do Programa Institucional de Extensão Arte na Escola da UNIVILLE. Esse novo material que será construído proporcionará a construção de conhecimento em arte independente de exposições, subsidiando o professor com propostas educativas para a construção de suas aulas.

As instituições internacionais das quais, até o momento, 120 materiais educativos foram adquiridos são: Museum of Contemporary Art (Sidney – Austrália), Metropolitan Museum of Art (New York – E.U.A.), Tate Gallery (Londres, St. Yves e Liverpool – Inglaterra), The Art Institute of Chicago (Chicago – E.U.A.) e Van Gogh Museum (Amsterdam – Holanda).

Seguindo a metodologia desenvolvida na pesquisa anterior, as especificidades de cada material foram separadas em: dependentes, independentes e mistos. Os materiais dependentes são aqueles que são dependentes de exposições; é um material totalmente atrelado à visitação da mostra e complementa a visita. Os materiais independentes são materiais que não foram produzidos a partir de mostra ou acervo, mas de um recorte de arte particular. Já os materiais mistos, são aqueles que podem ser trabalhados tanto em sala de aula quanto também em visita à exposição, visa a experência estética in loco e a continuidade do estudo no espaço escolar.

Os materiais nacionais possuem, dentro desses três grupos pontuados anteriormente, mais dois formatos que não foram encontrados, até o momento, nos materiais internacionais: o inclusivo e o registro de processo de ensino-aprendizagem. Os inclusivos, dentre os quais estão alguns da Pinacoteca do Estado de São Paulo, possuem reproduções fotográficas das esculturas do seu acervo, cujas linhas de contorno de sua forma estão em braille, possibilitando o acesso ao aluno cego.

É notória a necessidade de um material educativo acessível e de qualidade aos professores de arte, tendo em vista também suas dificuldades financeiras. Sem imagem, não há aula de arte. Um bom tamanho para uma imagem de arte é, no mínimo, A3 (29,7 x 42,0cm), porém, uma impressão de folha colorida nesse tamanho (em papel couché, para que seja um material mais duro e que dure mais) custa em média R$ 5,00 em gráficas especializadas. Durante uma aula de arte em que, por exemplo, são necessárias em média, 5 imagens, o investimento será de R$ 25,00 por aula, o que se torna inviável, tendo em vista que a hora/aula do professor com formação superior, custa, em média, R$ 8,50. Na maioria das vezes a escola na qual o professor leciona não tem condições de arcar com o investimento em imagens. Há também o conceito equivocado de que o professor de arte necessita apenas trabalhar com material artístico e atividades manuais que, muitas vezes, são produzidos para decorar a escola.

Essa dificuldade é contínua, mesmo que o ensino da arte se tornou obrigatório por lei através da aprovação da Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional (LDBEN nº 9.394), em 20 de dezembro de 1996, pois nos anos 90

Conseguir imagens para utilizar na sala de aula era uma façanha. Podia-se fazer xerox coloridas de reproduções de obras de arte (mas o custo alto inviabilizava a xerox de muitas imagens) ou usar imagens de calendários ou jornais trazidos pelos alunos. Algumas imagens podiam ser encontradas em livros didáticos de Artes, porém pequenas e de má qualidade gráfica (FABRO, 2007, pg. 15).

Com a expansão, acesso e facilidade de uso da internet, assim como a popularidade do Google, é possível encontrarmos imagens de alta qualidade e até fazer visitas a museus, de forma virtual[i]. Porém, para visualizar e mostrar essas imagens em sala de aula para os alunos, é necessário um aparato tecnológico, como o data-show, computadores e softwares que, infelizmente, a maioria de nossas escolas públicas carecem ou, quando possuem, há uma disputa entre todos os professores da escola, pois normalmente a escola dispõe de apenas um equipamento.

Pela grande quantidade de escolas e professores de arte no Brasil, em muitas regiões faltam projetos, ideias e iniciativas para estimular a produção de materiais educativos. Também é perceptível no Brasil o fato de que algumas instituições e museus estão primando pela qualidade dos materiais educativos, como: Arte na Escola, Museu Lasar Segall, Oscar Niemeyer, Laboratório Inhotim. Alguns destes materiais foram produzidos com incentivo do governo de suas cidades ou até do país. Porém, em algumas cidades, há editais de cultura, como é o caso do SIMDEC (o Sistema Municipal de Desenvolvimento pela Cultura foi implantado pela Fundação Cultural de Joinville em 2006) em Joinville – SC. Cabe então a interessados e instituições de fazer o seu projeto e se inscrever para obter recursos para a produção de materiais educativos.

Nos materiais internacionais, os incentivos vêm de doações de famílias e/ou a própria instituição possui uma verba destinada à confecção dos materiais, como é o caso da Tate Gallery.

Este material educativo, o qual se intitula Modern Tate (2001), da Tate Gallery de Londres, constitui-se por dois cadernos e 24 cartões.

O primeiro caderno, Background, contém informações da história da coleção. O segundo, Action, contém atividades e estratégias para ensinar dentro da Galeria, e uma seção sobre crítica e contexto. Os 24 cartões, denominados Key Word Cards, nos quais são estudados e analisados individualmente alguns trabalhos escolhidos da coleção, apresentam ao professor sugestões para discussão dentro da galeria. Assim, o objetivo do material da Tate Gallery é o de promover tarefas para estimular a aprendizagem e o ensino de arte na galeria. Oferece atividades que podem ser adaptadas de acordo com as necessidades do grupo e foco da visita. Os conteúdos presentes no caderno educativo abordam alguns movimentos da História geral e da Arte, como: Modernismo, Pós-modernismo, Semiótica. Este material educativo internacional pode relacionar-se com a Abordagem Triangular de BARBOSA (2005), pois no caderno é possível encontrar imagens, atividades práticas sugeridas para o professor trabalhar com os alunos e noções de temas advindos da história geral, da arte, e crítica de arte.

Já em outros materiais internacionais analisados, foi possível perceber uma concepção metodológica relacionada com um sistema de crítica artística denominado Image Watching, de Robert Ott, e da Fenomenologia da Percepção, de Merleau Ponty (1999). Outros materiais caracterizam-se por possuir uma abordagem construída à partir de elementos extraídos das próprias obras que compõem o acervo da instituição e dão sugestões de atividades para o professor trabalhar independente de exposições.

Outro material educativo internacional analisado constitui-se de um material impresso em papel couché, com um tamanho um pouco menor que uma folha A4. Denomina-se Sketch (obtido do Museum of Contemporary Art de Sidney, Australia). Por ser disposto em forma de folder, é possível abrir o material, como se fosse um jornal/revista. É impresso no decorrer das exposições (está em sua 3ª edição).

Esse jornal de atividades foi criado com o intuito de a criança fazer as atividades e guardar como registro de visita de exposição. O objetivo é o de a criança poder utilizar a criatividade para responder às questões e também desenhar e usar a imaginação. Possui várias questões reflexivas e práticas e é destinado à crianças de 5 a 12 anos.

O objetivo deste material educativo não se restringe à observação da imagem. Propõe exercícios e reflexões acerca das obras que compõem essa exposição, tanto que apenas algumas são citadas e desenhadas em forma de ilustração, e não em sua forma original. Ao contrário do material da Tate Modern, não há imagens reais da exposição, mas há desenhos ao longo do caderno educativo.

As únicas informações do artista estão dispostas em forma resumida no caderno, como: cidade de nascimento e materiais que ele se apropria para fazer suas obras. Assim, pode-se entender como o propósito do material o de se trabalhar didaticamente com suas obras. Porém, anexado junto à esse pequeno jornal há também um folder do mesmo tamanho que aborda alguns dados da biografia do artista e algumas obras que constituem a exposição, além de contextualização das mesmas. Dessa forma, entende-se que esse caderno complementar serve para que o professor se inteire acerca do artista e suas produção, antes de abordá-los em sua aula ou de levar os alunos à exposição. O jornal é dependente de exposição e pensado para o educando. Este jornal, feito em 2008, tem sua abordagem muito parecida com o material educativo do Museu Van Gogh (Amsterdam – Holanda), pois há diversas atividades práticas, além de jogos, como: caça-palavras, locais de recorte, locais para desenhar e jogos para ligar as palavras. Todos esses jogos são relacionados à obras que estão na exposição, características presentes tanto no jornal Sketch quanto também o material do Museu Van Gogh.

Denominado Treasure Hunt (Caça ao Tesouro. Foto 2), produzido em 2010, o material educativo do Museu Van Gogh é dependente de exposição e foi pensado para o educando.

De forma lúdica e em tom de brincadeira, o objetivo do caderno de atividades é propor exercícios e reflexões acerca das obras do Museu Van Gogh – além de citar curiosidades sobre a vida do artista, em forma de personagens que conversam entre si.

O caderno foi feito para ser levado junto à visita da exposição, como se fosse uma caça ao tesouro, que seria a “caça” a determinadas pinturas. Informa que no balcão de informações é possível checar as respostas do caderno para ter uma surpresa (que pode ser um presente para os educandos). Foi criado com o intuito de propor uma ludicidade na visita da criança ao Museu Van Gogh. O objetivo é o de a criança poder utilizar a criatividade para responder às questões, desenhar e usar a imaginação por possuir várias questões reflexivas e práticas. A forma com que as figuras e as perguntas estão dispostas estão em um layout bem formulado, com cores vibrantes como o laranja e azul.

Esta é uma ótima forma de chamar a atenção do educando para o material educativo, pois respeita os interesses da qual provavelmente a faixa etária dos 7 aos 14 anos destina-se, como traços de história em quadrinhos e jogos como caça-palavras.

Em geral, outros materiais, como os do Metropolitan Museum of Art, por serem destinado à professores, são mais densos, a exemplo do Tate Gallery, já citado neste artigo. Como exemplo, podemos tomar o material educativo da exposição The Art of Ancient Egypt – A Resource for Educators (A Arte do Egito Antigo – Um Recurso para os Educadores) é um material que pode ser utilizado tanto em sala de aula como também dentro do espaço de exposição. Ou seja, configura-se como um material misto. Possui 184 páginas em preto e branco e é possível fazer seu download pelo site do museu. Este material contém informações sobre Arte Egípcia antiga e discute o seu papel principal nessa civilização, além de estimular a curiosidade, desenvolver a observação e desenvolver um desejo de visitar o museu para ver exemplos reais de arte egípcia. Especifica que os professores podem adaptar as propostas para estudantes de qualquer idade. Há um material visual e escrito para enriquecer estudos sociais e artísticos e linguagens de arte para fazer conexões interdisciplinares.

Os objetivos do estudo desse material educativo sobre a arte egípcia, segundo o que cita o próprio material, são os de: comunicar através de uma linguagem visual de símbolos e convenções artísticas que foram entendidas por todos os egípcios antigos; sentir-se confortável para falar sobre arte; entender que em uma obra de arte de sucesso são importantes o conteúdo, a forma e os materiais dos quais é feito a obra; ser estimulado para ir à uma visita de museu. Sendo assim, ele pode ser caracterizado como material misto. O interessante neste material é o patrocínio que recebeu, através de generosa doação da família Rose. É comum observar em alguns materiais educativos internacionais a doação que algumas famílias fazem para que seja possível a confecção destes materiais educativos internacionais.

Como afirma Fabro (2007, p. 6),

Os materiais são fundamentais como instrumentos na ação do professor, mas a fome maior destes é por oportunidades para compartilhar idéias, contato com seus pares e assim poder tatuar na sua “pele pedagógica” experiências significativas com a arte que possibilite a ampliação do seu universo cultural e de seus alunos.

A partir da investigação e análise dos materiais internacionais e também nacionais, será facilitada a constituição do material educativo de arte brasileira por meio de um recorte das imagens do banco de imagens do Programa Institucional de Extensão Arte na Escola da UNIVILLE, fazendo assim com que os professores de arte possam ter acesso facilitado à materiais educativos de arte brasileira, para que sua docência possa ser feita com mais qualidade, ao mesmo tempo em que a fruição com a obra de arte original não seja substituída, pois é de relevante importância que o aluno obtenha contato direto com a obra de arte original.

REFERÊNCIAS

APONTAMENTOS – ensino da arte contemporânea – CD-ROM – Campo Grande: Pólo Arte na Escola – UFMS.

ARTIOLI, Ana Cláudia Moraes Moreira; MARMO, Alena Rizi. Materiais pedagógicos: sua importância como recurso para o professor de arte. Seminário de Iniciação Científica da Univille. Joinville: Editora Univille, 2010.

BARBOSA, Ana Mae. Arte-educação: Leitura no subsolo. São Paulo: Cortez, 2005.

CHARMAN, Helen; GILLIAN, Wilson. Modern Tate. London: Tate, 2001.

FABRO, Maria de Lourdes Sousa. Em foco: professores de Artes e suas experiências com os materiais educativos Lá Vai Maria, Bem-vindo, professor! e Arte.br. 2007. 213 f. Monografia (Mestrado em Artes Visuais) – Universidade Estadual Paulista, São Paulo.

GRINSPUM, Denise; MOURÃO, Luciana A. Material Didático Museu Lasar Segall – Área de Ação Educativa. São Paulo: Museu Lasar Segall- IPHAN/MinC, 2005.

GRUBERGER, Rosane; MELLO, Janaina. Desvio para o vermelho – Cildo Meireles – livro de colorir e montar. Brumadinho: Inhotim, s.d.

LDBEN nº 9.394. Brasília, dez. 1996. Disponível em: . Acesso em: 25 jul. 2011.

MELO, Janaina et al. Descentralizando o acesso: caderno educativo 1 e 2. Brumadinho, MG: Instituto Cultural Inhotim, 2010.

MERLEAU-PONTY, Merleau. Fenomenologia da percepção. 2ª edição. São Paulo: Martins Fontes, 1999.

OHTAKE, Ricardo et. al. Caderno do olhar Oscar Niemeyer – Ação educativa do Instituto Tomie Ohtake. Belo Horizonte: Museu de Arte da Pampulha, 2007.

PRATES, Valquiria. Traços e passos: um passeio pela obra de Lasar Segall. São Paulo: Museu Lasar Segall- IPHAN/MinC, 2007

SKETCH – Activity Journals for Kids by Contemporary Artists For 5 to 12 years olds – Tim Hawkinson: Mapping the Marvellous. Sidney: Museum of Comtemporary Art, 2008.

SOUSA, Jean et. al. Looking at art together: A Parent guide and Process Catalogue. Chicago: Art Institute of Chicago, 2002.

TOJAL, Amanda P. F. Pinacoteca do estado de são Paulo: esculturas selecionadas do acervo. São Paulo: Pinacoteca do Estado, 2009

Treasure Hunt. Van Gogh Museum. Holanda: S.n., 2010.

WATTS, Edith. The Art of Ancient Egypt: A Resource for Educators. The Metropolitan Museum of Art, s.n.: s.d.

[i] Por meio do projeto Google Art Project, em que é possível, em 1ª pessoa, andar dentro dos museus virtualmente.

Exclusão de desenhos

2011-03-31T16:08:00.002-03:00

Olá pessoal. Faz tempo que não posto aqui. Estava quase abandonando o blog mas acho que agora as coisas melhoraram. Tentarei postar mais pelo Windows Writer, acho bem mais útil que esta ferramenta do Blogger que me deixava com os cabelos em pé.
Excluirei todos os meus desenhos do Blog até conseguir adicionar marca d´água em todos eles, por motivos de direitos de uso imagem. Este blog é mais educativo, mas como também sou artista, sinto que serão necessárias algumas medidas para evitar a cópia de imagens – mesmo sendo difícil de evitar com o uso extremo da Internet. Sendo assim, adotarei as marcas d´água para não precisar parar de divulgar meu trabalho.
Se alguém tiver o interesse de obter algum trabalho original, é só me mandar um email: julirossi@gmail.com.
Em breve atualizarei com novidades!
Juli Rossi

AJUDE-ME!

2011-02-03T12:02:00.004-02:00

Olá pessoal,

estou com um projeto artístico em mãos e gostaria da ajuda de vocês.
Meu projeto é sobre o belo.
É um trabalho contemporâneo em que há a interação do público.

Para participar é fácil:
Apenas mande-me uma foto do que vc acha belo (o que te vem à mente em primeiro lugar) para o email beloehbelo@gmail.com.
Assim que o projeto for aprovado, entro em contato com vocês.

Ou, caso preferir, mande o link da foto aqui no blog, comentando nessa postagem ou na caixinha de msgs logo à direita.

Espero a colaboração de todos! :)
Obrigada aos que já me enviaram.

Juli Rossi

ARTE INDÍGENA

2011-01-18T10:05:00.050-02:00

O que é índio? Um índio não chama nem a si mesmo de índio. Esse nome veio trazido pelos colonizadores no séc. XVI. O índio mais antigo desta terra hoje chamada Brasil se autodenomina Tupy, que significa "Tu" (som) e "py" (pé), ou seja, o som-de-pé, de modo que o índio é uma qualidade de espírito posta em uma harmonia de forma.

Meu desenho de índio! No A3, feito com lápis de cor.

Esta história logo abaixo revela o jeito do povo indígena de contar a sua origem, a origem do mundo, do cosmos, e também mostra como funciona o pensamento nativo. Os antropólogos chamam de mito, e algumas dessas histórias são denominadas de lendas.

Qual a origem dos índios? Conforme o mito Tupy-Guarani, o Criador, cujo coração é o Sol, /tataravô desse Sol que vemos, soprou seu cachimbo sagrado e da fumaça desse cachimbo se fez a Mãe Terra. Chamou sete anciães e disse: ‘Gostaria que criassem ali uma humanidade’. Os anciães navegaram em uma canoa que era como cobra de fogo pelo céu; e a cobra-canoa levou-os até a Terra. Logo eles criaram o primeiro ser humano e disseram: ‘Você é o guardião da roça’. Estava criado o homem. O primeiro homem desceu do céu através do arco-íris em que os anciães se transformaram. Seu nome era Nanderuvuçu, o nosso Pai Antepassado, o que viria a ser o Sol. E logo os anciães fizeram surgir da Águas do Grande Rio Nanderykei-cy, a nossa Mãe Antepassada. Depois eles geraram a humanidade, um se transformou no Sol, e a outra, na Lua. São nossos tataravós.

ARQUITETURA INDÍGENA

Taba ou Aldeia é a reunião de 4 a 10 ocas, em cada oca vivem várias famílias (ascendentes e descendentes), geralmente entre 300 a 400 pessoas. O lugar ideal para erguer a taba deve ser bem ventilado, dominando visualmente a vizinhança, próxima de rios e da mata. A terra, própria para o cultivo da mandioca e do milho.

No centro da aldeia fica a ocara, a praça. Ali se reúnem os conselheiros, as mulheres preparam as bebidas rituais, têm lugar as grandes festas. Dessa praça partem trilhas chamadas pucu que levam a roça, ao campo e ao bosque.

Destinada a durar no máximo 5 anos a oca é erguida com varas, fechada e coberta com palhas ou folhas. Não recebe reparos e quando inabitável os ocupantes a abandonam. Não possuem janelas, têm uma abertura em cada extremidade e em seu interior não tem nenhuma parede ou divisão aparente. Vivem de modo harmonioso.

PINTURA CORPORAL E ARTE PLUMÁRIA (COCARES)

Pintam o corpo para enfeitá-lo e também para defendê-lo contra o sol, os insetos e os espíritos maus.

E para revelar de quem se trata, como está se sentindo e o que pretende. As cores e os desenhos ‘falam’, dão recados.

Índia Kadiweu

Boa tinta, boa pintura, bom desenho garantem boa sorte na caça, na guerra, na pesca, na viagem. Cada tribo e cada família desenvolvem padrões de pintura fiéis ao seu modo de ser.

Padrões de pintura corporal indígena

Nos dias comuns a pintura pode ser bastante simples, porém nas festas, nos combates, mostra-se requintada, cobrindo também a testa, as faces e o nariz. A pintura corporal é função feminina, a mulher pinta os corpos dos filhos e do marido.

Assim como a pintura corporal a arte plumária serve para enfeites: mantos, máscaras, cocares, e passam aos seus portadores elegância e majestade.

Kaxinawá do Acre

Esta é uma arte muito especial porque não está associada a nenhum fim utilitário, mas apenas a pura busca da beleza.

A disposição e as cores das penas do cocar não são aleatórias. Além de bonito, ele indica a posição de chefe dentro do grupo e simboliza a própria ordenação da vida em uma aldeia Kayapó. Em forma de arco, uma grande roda a girar entre o presente e o passado. "É uma lógica de manutenção e não de progresso", explica Luis Donisete Grupioni. A aldeia também é disposta assim. Lá, cada um tem seu lugar e sua função determinados.

Plumas de arara e mutum, costuras com fibra de palmito e fios de algodão

Tapirapé do Mato Grosso (desapareceram)

TRANÇADOS E CERÂMICA

A variedade de plantas que são apropriadas ao trançado no Brasil dá ao índio uma inesgotável fonte de matéria prima.

É trançando que o índio constrói a sua casa e uma grande variedade de utensílios, como cestos para uso doméstico, para transporte de alimentos e objetos trançados para ajudar no preparo de alimentos (peneiras), armadilhas para caça e pesca, abanos para aliviar o calor e avivar o fogo, objetos de adorno pessoal (cocares, tangas, pulseiras), redes para pescar e dormir, instrumentos musicais para uso em rituais religiosos, etc.

Cestos Yanomamis

Tudo isso sem perder a beleza e feito com muita perfeição.

A cerâmica destacou-se principalmente pela sua utilidade, buscando a sua forma, nas cores e na decoração exterior. O seu ponto alto ocorreu na ilha de Marajó.

Cerâmica Kadiweu

Cerâmica Macuxi

COMO OS ÍNDIOS QUASE DESAPARECERAM

O processo de colonização levou à extinção de muitas sociedades indígenas que viviam no território dominado, seja pela ação das armas seja pelo contágio de doenças trazidas dos países europeus para as quais os índios não tinham anticorpos ou ainda, pela aplicação de políticas visando a "assimilação" dos índios à nova sociedade implantada, com forte influencia européia.

Embora não se saiba exatamente quantas sociedades indígenas existissem no Brasil na época da chegada dos europeus, há estimativas sobre o número de habitantes nativos naquele tempo que variam de 1 a 10 milhões de indivíduos.

Estes números nos dão uma idéia da imensa quantidade de pessoas e sociedades indígenas inteiras exterminadas ao longo destes mais de 500 anos, como resultado de um processo de colonização baseado no uso da força, por meio das guerras e da política de assimilação.

Da mesma que os brancos procuraram a explicação para a origem dos índios estes também elaboraram explicação para a origem do homem branco. O processo do colonizador do qual os índios brasileiros foram vítimas ocorreu assim: primeiro foram cativados para o trabalho de exploração do pau Brasil em troca de objetos que exerciam fascínio sobre eles; depois veio a escravização e a tentativa de fazê-los trabalhar na lavoura da cana de açúcar; suas terras foram sendo tomadas e os que não se submeteram ao colonizador e não conseguiram fugir Brasil adentro, morreram após lutar corajosamente pela sua terra e pela liberdade.

Os índios que conseguiram sobreviver eram descaracterizados pela catequese feita pelos jesuítas e da própria convivência com o homem branco. Com isso muitos foram perdendo sua identidade cultural substituindo suas crenças e costumes pelos valores dos colonizadores. Transformaram-se assim em seres marginalizados e explorados dentro da sociedade branca.

Foto de Adriana Brier

Textos coletados nos sites:

http://www.sabedoriamistica.com.br/

http://www.colegiosaofrancisco.com.br/alfa/indios-brasileiros/historia-dos-indios-brasileiros-2.php

MARTINS, Simone R.; IMBROISI, Margaret H. A visão indígena brasileira. Disponível em: http://www.historiadaarte.com.br/arteindigena.html&gt. Acesso em 10 abril 2009.

Ritual indígena

Minha expo "De Tudo, Um Pouco"

2010-10-25T12:00:00.001-02:00

De fusca a flor. De índio à cavalo. De fruta à paisagem. De tudo um pouco. Essa exposição é uma compilação de alguns trabalhos produzidos entre 2008 e 2010 pela professora e artista plástica Juli Rossi.

Por essa paixão pelo desenho presente durante toda a sua vida (inclusive na vida escolar), Juli Rossi optou em fazer Licenciatura em Artes Visuais na Univille. Hoje leciona técnicas de Desenho Artístico, Materiais Expressivos, Pintura e História da Arte em dois importantes pólos artísticos e escolas de Joinville: Casa da Cultura Fausto Rocha Júnior e Conservatório Belas Artes.

Especialista em Arte-Educação (pela Faculdade Bagozzi – 2009), atualmente Juli Rossi é coordenadora dos cursos de Artes Visuais do Conservatório Belas Artes e já expôs em diversos lugares, como: Casa da Cultura, SESC (exposição Pretexto 2010), AAPLAJ, Conservatório Belas Artes e Museu da Imigração. Já realizou mais de dez curadorias de várias exposições tanto de alunos quanto de artistas, desde o ano de 2007.

Quando começou a lecionar, pôde ter mais acesso à diversas técnicas tanto no desenho quanto na pintura, das quais muitas podem ser vistas aqui, como: desenho colorido, desenho com hachuras, desenho de observação, pintura à óleo, pintura espatulada, pintura esgrafiada, pintura com texturas. Sempre teve interesse por experimentações de trabalhos figurativos mais expressivos, sejam nos desenhos de observação, de criação e/ou com referências visuais.

As pinturas foram feitas com auxílio de técnicas ensinadas pela artista plástica Asta dos Reis, também professora da Casa da Cultura Fausto Rocha Júnior. Asta dos Reis, com sua competência e dedicação às Artes, ensinou muitas técnicas variadas à artista.

Os trabalhos dessa exposição estarão à venda.

PRESTIGIE!

DE 26/10 A 18/11/10 NO CENTRO CULTURAL BRASIL ESTADOS UNIDOS (JOINVILLE/SC).

Artigos Publicados

2010-10-15T18:14:00.002-03:00

Olá, pessoal. Quero compartilhar com vocês alguns artigos que foram publicados no jornal A Notícia. Os artigos você confere aqui:

Educação Transdisciplinar
http://www.clicrbs.com.br/anoticia/jsp/default2.jsp?uf=2&local=18&source=a3070654.xml&template=4191.dwt&edition=15672&section=892

O desenvolvimento pelo desenho
http://www.clicrbs.com.br/anoticia/jsp/default2.jsp?uf=2&local=18&source=a3024856.xml&template=4187.dwt&edition=15411&section=892

Vou montar um post específico para cada artigo. Se forem utilizá-los, por favor, não esqueçam das referências, ok?

Até mais!:)

ARTE TAPAJÓ

2010-10-10T11:50:00.001-03:00

SOBRE OS ÍNDIOS TAPAJÓS

Havia um contato intenso entre tapajós e as tribos vizinhas, ou pelo comércio ou dominação direta, o que denota o estilo tapajó em vasos encontradas longe da região.

Vaso antropomórfico Tapajó

Ficavam no rio Tapajós, a beira da cidade de Santarém, no Pará. Mesmo depois dos primeiros contatos com os europeus, os tapajós ainda eram uma das maiores nações indígenas da Amazônia.

A cerâmica Tapajônica é feita com argila e cauxixi, uma esponja de rio. A mistura fica dura e leve como porcelana. Utilizavam a cerâmica em festas e rituais religiosos.

Cavidade servia para colocar penas coloridas nos rituais

RITUAL DE MORTE

Sabe-se que os tapajós misturavam as cinzas de seus mortos a bebidas fermentadas feitas de milho ou arroz-bravo, uma planta nativa da Amazônia. Neste caso, alguns dos vasos seriam usados para, literalmente, beber os entes queridos. Outros seriam de uso exclusivo dos sacerdotes, para a ingestão de bebidas alucinógenas, como a ayahuasca.

Esse vaso era usado para uso ritualístico - seria um jacaré que tem na boca uma figura zoo-antropomorfa. Na boca, há uma criança engatinhando.

O povo tinha outra cultura, pois não enterrava seus mortos. Existia uma cabana mortuária, onde deixavam o corpo em uma rede com os pertences a seus pés, até se deteriorarem por completo. Os ossos que restavam eram lavados, moídos e colocados em vinho, que era bebido pelos familiares do morto e pelo resto da tribo, por ocasião da festa ritualística.

SOBRE A CERÂMICA TAPAJÔNICA

Talvez a cerâmica mais antiga da Amazônia.

Jacarés e a onça-pintada eram frequentes na cerâmica, além também da fauna da região.

Jacaré

Onça

Os famosos muiraquitãs, pedra verde esculpida em forma de sapo, eram usados pelas mulheres tapajós como amuleto para prevenir doenças e evitar a infertilidade.

A crença se espalhou pelo Baixo Amazonas e chegou ao Caribe, onde foram achados muiraquitãs amazônicos. A moda pegou até na Europa. No século XVIII, muiraquitãs eram levados para o Velho Continente. Acreditava-se que evitavam epilepsia e cálculos renais. Hoje são peças raras, que alcançam altos preços nos leilões.

Réplicas podem ser compradas em formato de jóias no Pólo joalheiro, no espaço São José Liberto, em Belém.

Fontes:

http://www.paraturismo.pa.gov.br/saibamais/art_tapajonico.asp

http://palmeiraalta.blogspot.com/2008/03/cermica-santarm-ou-tapajnica.html

http://www.terrabrasileira.net/folclore/regioes/2artes/n-tapajo.html#topo http://cienciahoje.uol.com.br/controlPanel/materia/view/2596

Fotos da Montagem da exposição Pretexto 2010

2010-09-20T16:34:00.003-03:00

Tivemos vários encontros com o curador Eduardo Veras que resultaram em uma exposição com diversas linguagens, como a video-arte, instalação, desenhos, fotografias, etc. Confira aqui algumas fotos da montagem (Joinville, SC):

Em breve, fotos da abertura da exposição. Mais informações sobre essa exposição, clique aqui.

Expo Pretexto

2010-09-10T21:30:00.001-03:00

Vou expor no PRETEXTO 2010, onde haverá coquetel de abertura nesta segunda-feira, dia 13 de setembro, às 19hs no SESC (Galeria de Artes do SESC em Joinville).
Prestigie! ;)

O Serviço Social do Comércio de Joinville convida você e toda sua família para prestigiarem o coquetel de abertura da exposição PRETEXTO 2010 que ocorrerá na Galeria de Artes do SESC.

O Pretexto não é apenas um projeto de identificação dos artistas com o mero intuito de expor trabalhos de arte. O objetivo maior é trazer conhecimento qualificado sobre o processo criativo, mercadológico e artístico da arte para todas as cidades onde o SESC atua. Neste sentido, ele é um projeto de longo prazo com resultados no presente e no futuro. Enquanto cada Pretexto se constrói os resultados são colocados à disposição do público. Daí a sua característica de organicidade. O Pretexto forma circuito de arte em cada cidade.

Em Joinville participam artistas da nova geração que nunca haviam expostos seus trabalhos e artistas com certa experiência no circuito de artes. Todos eles participaram das três etapas de oficinas, nas quais o assessor Eduardo Veras promoveu a troca de experiências entre os artistas, discutiu questões relativas ao circuito de arte no país.

Os artistas desenvolveram obras específicas para o projeto, montando a exposição no espaço definido.

A partir da abertura, são oferecidas visitas guiadas com monitores capacitados. Desta maneira o projeto mapeia efetivamente a produção de arte catarinense, qualifica a produção dos artistas, instaura circuitos locais de arte, registra a recente produção catarinense e promove o debate com o público.

P.S.: Logo estarei de volta à ativa no blog! Aguardem! ;)

Expo Belas Artes

2010-07-19T12:05:00.002-03:00

A exposição "Desenhe" reuniu trabalhos das turmas (infanto-juvenis e adutas) de Desenho Artístico das professoras Jacqueline Cunha e Juliana Rossi, do Conservatório Belas Artes de Joinville, de 25 de junho a 16 de julho.
Veja fotos dos trabalhos dos alunos aqui:

Para ver fotos da abertura da exposição e do mini-concurso (convite), acesse o site do Belas:

http://www.belasartesjoinville.com.br/eventos-realizados/108

PARABÉNS A TODOS OS ALUNOS!

Exposição Games e Paisagens

2010-05-17T14:42:00.001-03:00

Aconteceu no dia 7 de maio de 2010 a abertura da Exposição "Games e Paisagens" dos alunos formandos Matheus Natume e Nathan Strapazzon, no Conservatório Belas Artes.

Os alunos são formandos do Curso de Desenho Artístico ministrado pela professora Juliana Rossi do Belas Artes.

Veja as fotos de alguns trabalhos expostos:

Clique aqui para ver as fotos da abertura no site do Conservatório.

Veja as fotos da abertura da Exposição, com apresentação dos alunos de Técnica Vocal do professor Felipe Barsch:

ARTE RUPESTRE EM SC

2010-05-16T15:45:00.004-03:00

Arte rupestre é o nome que se dá às figuras feitas sobre as pedras ou paredes rochosas pelos habitantes da pré-história. De acordo com a técnica empregada, são duas as modalidades de arte rupestre: as gravuras rupestres (petroglifos) e as pinturas rupestres (pictoglifos).

Petroglifo da Praia do Santinho

As inscrições da Ilha de Santa Catarina, feitas exclusivamente na forma de petroglifos, tem características bastante particulares: são motivos abstratos geométricos, representações antropomórficas e, mais raramente, representações zoomórficas.

Praia do Santinho

Para elaborar os desenhos, eram empregadas ferramentas de pedra, onde, por meio de percussão (picoteamento) ou abrasão (polimento), os autores davam forma às linhas. Porém, quem fez estes desenhos na Ilha de Santa Catarina ainda é um mistério. O que torna difícil a identificação dos autores é o fato de três culturas diferentes terem habitado a mesma região: os caçadores e coletores, os itararé e os carijó.

Praia da Barra da Lagoa

Gravados na superfície dos paredões de diabásio, nos costões das praias, os desenhos alcançam no máximo três milímetros de profundidade por trinta milímetros de largura. Estes petroglifos estão dispostos em sítios voltados para o Oceâno Atlântico, em praias de mar bravo, locais que passam uma sensação de medo e respeito. Teria a arte rupestre da Ilha de Santa Catarina uma conotação mística ou religiosa?

Ilha do Campeche

O autor deste texto acredita ter estes uma relação com a pesca. Talvez um santuário onde os índios recorressem a uma espécie de divindade, representada nas inscrições, para pedir um bom período de pesca. Poderia ainda ser simples demarcação de territórios pesqueiros.

Texto retirado do site: http://www.caminhosancestrais.com.br/rupestre.htm

ARTE PRÉ-HISTÓRICA BRASILEIRA

2010-05-15T13:31:00.004-03:00

Do francês rupestre, o termo designa gravação, traçado e pintura sobre suporte rochoso, qualquer que seja a técnica empregada, pelos habitantes da pré-história. Considerada a expressão artística mais antiga da humanidade, a arte rupestre é realizada em cavernas, grutas ou ao ar livre.

O termo "registro rupestre" é a definição que tenta substituir entre os arqueólogos a consagrada expressão "arte rupestre", que é a primeira manifestação artística do homem.

O pintor que retratou nas rochas os fatos mais relevantes da sua existência, tinha um conceito estético do seu mundo e da sua circunstância. A intenção prática da sua pintura podia ser diversificada, variando desde a magia ao desejo de historiar a vida do seu grupo, porém, de qualquer forma, o pintor certamente desejava que o desenho fosse "belo" segundo seus próprios padrões estéticos.

As primeiras manifestações estéticas estão representadas por pequenos objetos de osso e pedra ou estampadas nas paredes rochosas com tintas vegetais ou minerais nos cinco continentes. O surgimento da arte pré-histórica como um florescer simultâneo em várias partes do mundo tem a ver com os processos da evolução e o aumento da capacidade craniana, ou seja, o aumento do volume do cérebro que permitiria o desenvolvimento dos processos de abstração no gênero homo.

Considerando-se que o homem tem mais de dois milhões de anos e que a arte pré-histórica começou há 30.000, podemos aceitar que a arte rupestre seja "uma arte moderna".

Pintura rupestre do Piauí

A magia propiciatória da caça, o culto à fertilidade e a iniciação sexual têm sido os temas favoritos no registro figurativo. No Brasil as pinturas são feitas nas rochas, usando-se do ocre para executá-las (gordura vegetal e animal) na maioria das vezes. E ficaram registradas ao longo de muitos anos.

Pintura rupestre do Rio Grande do Norte

Como afirma Anne-Marie Pessis, que “Durante o período inicial do estilo Serra da Capivara, a região era pouco habitada. Sabemos que outros grupos, minoritários, partilharam o mesmo espaço junto às comunidades culturais de Serra da Capivara. Grupos que não tinham o domínio da técnica gráfica, mas que incorporaram às suas culturas esta prática rupestre das comunidades dominantes. Estas populações seriam responsáveis por outra tradição de pintura rupestre existente no Nordeste do Brasil, a tradição Agreste”. (PESSIS, 1989: 14/15).

As pinturas rupestres seriam o registro da história social dos habitantes daquele período. Onde lhes era possível afixarem seus costumes e práticas cotidianas. Costumes que permitiriam outros grupos ou futuras gerações de seus próprios grupos utilizam-se destas informações registradas.

Rondônia

Estas ações sociais que retratariam, então, a nosso ver, parte do cotidiano da época como caça, danças, rituais, lutas territoriais, animais que viviam naquele momento – um cotidiano muito parecido com o nosso atualmente, onde precisamos lutar para garantir o que nos pertence por direito – dos grafismos puros (que não temos condições de interpretar), cenas de sexo e cenas de brincadeiras, entre outras.

Todos os grupos humanos têm sua própria cultura e interagem. Isso significa que, além de se manifestarem culturalmente, ainda transmitem seus conhecimentos por meio da cultura produzida por estes grupos humanos das mais diferentes formas estéticas, e por meios educativos.

A partir destas cenas podemos, então, depreender que houve sim no território brasileiro, como em outros locais do mundo, história e educação muito antes de 1500.

Serra da Capivara - Piauí

O Brasil com sua imensa extensão territorial teria também uma grande complexidade de formas, estilos de pinturas e locais pintados, auxiliando a comprovar que as escolas rupestres teriam se disseminado.

As pinturas nos mostram, desde muito tempo, que devemos lutar e muito para que a nossa sobrevivência garanta-se. E que sem esta nada conseguimos. E, ainda, que por meio da educação social esta luta torna-se mais fácil de ser vencida.

O humano só se faz em sua plenitude por meio de lutas. E os primeiros habitantes do Brasil já sabiam disto – assim como também nos sabemo - para que possamos compreender melhor a nossa própria historia antiga e ver nela um reflexo para o nosso cotidiano.

Seridó - Rondônia

Façamos em nossas vidas muitas lutas políticas, sociais, culturais e para a sobrevivência, como já fazemos em nossas praticas cotidianas de educadores sociais que somos. Façamos, também, nossas festas, viagens e passeios, entre outras práticas sociais em nome de nossos prazeres como nos mostram os antigos habitantes de nosso Brasil que viveram muito bem, relacionando-se entre si, com o meio ambiente e com os outros grupos humanos que aqui viveram.

Fontes:

http://www.espacoacademico.com.br/041/41cjustamand.htm

http://www.canalkids.com.br/arte/pintura/rupestre2.htm

http://elisakerr.wordpress.com/2007/05/05/arte-rupestre-no-brasil/

http://www.ab-arterupestre.org.br/arterupestre.asp

Mostra didática de Desenhos

2010-03-06T11:43:00.009-03:00

Vou expor meus desenhos no Belas Artes, para demonstrar novas técnicas aplicadas no desenho.

Abertura: dia 19/03/2010, no Conservatório Belas Artes.

Horário: 20hs

Visitação: até 22/04/2010, das 8h às 21h30 de segunda a sexta-feira e sábado das 8h às 18h.

"(...) A mostra conta com aproximadamente vinte desenhos que ainda não foram expostos. Nos desenhos é possível perceber técnicas variadas, desde lápis de cor, lápis grafite a giz pastel e caneta bic. Os temas variados envolvem animais, pessoas, paisagens e perspectiva. (...) Entrada gratuita. " Fonte: Jaque Mello.

Para mais informações, acesse: http://www.belasartesjoinville.com.br/acontece/134

Mostra Didática

2010-03-02T14:21:00.001-03:00

MATERIAIS EXPRESSIVOS

Produção dos alunos do curso de Materiais Expressivos,
integrante do Curso de Desenho e Pintura da Escola de Artes Fritz Alt,
ministrado pelas professoras Asta dos Reis e Juliana Rossi.

A mostra estará exposta até o dia 27 de março.

Local: Casa da Cultura Fausto Rocha Júnior (no Percurso Vermelho - corredores da Casa). Rua Dona Francisca, 800, Saguaçú. Tel: (47) 3433-2266.

Veja alguns desenhos e algumas fotos:

A linguagem desenho desenvolve a percepção visual/espacial e
aprimora a sensibilidade e expressão artística do aluno.
É uma maneira de reproduzir bidimensionalmente formas de ver e pensar do indivíduo.

O Curso de Desenho e Pintura oferecido pela Casa da Cultura é composto sequencialmente pelos cursos semestrais de: Desenho Artístico I, Desenho Artístico II, Materiais Expressivos, Desenho Anatômico, Aquarela, Pintura I, Pintura II e Atelier.

“Todas as cores concordam no escuro”.
(Francis Bacon)

Alunos participantes:
Audrey M. Gomes
Clenir Florência S. Goulart
Gertrudes Onofre
Jéssica Clemente
Joelma M. O. Moreira
Kézia de Oliveira
Lilian Schatzmann
Maiumi Oshi
Maria de Lourdes Albano
Maria de Medeiros
Mary Lucia A. Levinski
Nancy Colin Cunha
Paula Carina Kornatzi
Priscila Costa da Silva
Sardinha
Silvia I. Magro

História da Arte Brasileira

2010-02-20T11:29:00.005-02:00

Todas as matérias de História da Arte geral já foram postadas (da Pré-História à Contemporânea). É só conferir nos links à direita (ou clicando aqui http://julirossi.blogspot.com/search/label/historia).

Obrigada a todos os visitantes do blog! Obrigada também pelos recadinhos!

Começarei agora a postar matérias de História da Arte Brasileira, pois entendo o quanto é difícil achar matérias na Internet sobre determinados assuntos da arte brasileira. Então meu intuito com isso é divulgar cada vez mais os movimentos que ocorreram aqui no Brasil, ajudando a disseminar essas informações.

Em 2010 também publicarei novos desenhos, aguardem!

Espero que gostem!

Juli Rossi

ARTE CONTEMPORÂNEA

2010-01-24T00:09:00.004-02:00

Os balanços e estudos disponíveis sobre arte contemporânea tendem a fixar-se na década de 1960, sobretudo com o advento da arte pop e do minimalismo, um rompimento em relação à pauta moderna, o que é lido por alguns como o início do pós-modernismo.

Impossível pensar a arte a partir de então em categorias como "pintura" ou "escultura".

Borofsky

A cena contemporânea - que se esboça num mercado internacionalizado das novas mídias e tecnologias e de variados atores sociais que aliam política e subjetividade (negros, mulheres, homossexuais etc.) - explode os enquadramentos sociais e artísticos do modernismo, abrindo-se a experiências culturais díspares.

As novas orientações artísticas, apesar de distintas, partilham um espírito comum: são, cada qual a seu modo, tentativas de dirigir a arte às coisas do mundo, à natureza, à realidade urbana e ao mundo da tecnologia.

Ramos - "Visão de Velasquez"

As obras articulam diferentes linguagens - dança, música, pintura, teatro, escultura, literatura etc. –, desafiando as classificações habituais, colocando em questão o caráter das representações artísticas e a própria definição de arte. Interpelam criticamente também o mercado e o sistema de validação da arte.

Cindy Sherman

O corpo sugerido em diversas obras de E. Hesse - Hang Up (1965/1966) - toma o primeiro plano no interior da chamada body art. É o próprio corpo do artista o meio de expressão em trabalhos associados freqüentemente a happenings e performances.

Joseph Beuys - performance "como explicar desenhos a uma lebre morta"

A percepção do observador, pensada como experiência ou atividade que ajuda a produzir a realidade descoberta, é largamente explorada pelas instalações. Outro desdobramento direto do minimalismo é a arte conceitual, que, como indica o rótulo, coloca o foco sobre a concepção - ou conceito - do trabalho.

Christo

É importante lembrar que o uso de novas tecnologias - vídeo, televisão, computador etc. - atravessa parte substantiva da produção contemporânea, trazendo novos elementos para o debate sobre o fazer artístico.

A partir de meados das décadas de 60 e 70, notou-se que a arte produzida naquele período já não mais correspondia à Arte Moderna do início do século XX. A arte contemporânea entra em cena a partir dos anos 70, quando as importantes mudanças no mundo e na nossa relação de tempo e espaço transformam globalmente os seres humanos.

Lucien Freud

Entre os movimentos mais célebres estão a Pop Art, o Expressionismo Abstrato, a Arte conceitual, a Arte Povera, o Minimalismo, a Body Art, o Fotorrealismo, a Internet Art e a Street Art, a arte das ruas, baseada na cultura do grafiti e inspirada faccionalmente na geração hip-hop, tida muitas vezes como vandalismo.

Smithson - land art

Quando se fala em arte contemporânea não é para designar tudo o que é produzido no momento, e sim aquilo que nos propõe um pensamento sobre a própria arte ou uma análise crítica da prática visual. Como dispositivo de pensamento, a arte interroga e atribui novos significados ao se apropriar de imagens, não só as que fazem parte da historia da arte, mas também as que habitam o cotidiano. O belo contemporâneo não busca mais o novo, nem o espanto, como as vanguardas da primeira metade deste século: propõe o estranhamento ou o questionamento da linguagem e sua leitura.

As novas tecnologias para a arte contemporânea não significam o fim, mas um meio à disposição da liberdade do artista, que se somam às técnicas e aos suportes tradicionais, para questionar o próprio visível, alterar a percepção, propor um enigma e não mais uma visão pronta do mundo.

Nassau de Souza - Videoarte "A cela"

O trabalho do artista passa a exigir também do espectador uma determinada atenção, um olhar que pensa. Um vídeo, uma performance ou uma instalação não é mais contemporâneo do que uma litogravura ou uma pintura. A atualidade da arte é colocada em outra perspectiva.

Kosuth

Fontes:

http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A2nea

http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=termos_texto&cd_verbete=354&lst_palavras=&cd_idioma=28555&cd_item=8

FÉRIAS

2010-01-04T16:27:00.002-02:00

OLá galerinha, este fim de ano foi um dos mais corridos de todos...
Não pude atualizar o blog por vários motivos. E agora, estou de férias, mas prometo atualizar logo! :)
Aproveitem o conteúdo enquanto isso.

Beijos e ótimas férias e ótimo Ano Novo.

Juli Rossi

Contato: julirossi@gmail.com

ARTE CONCEITUAL

2009-10-23T13:31:00.005-02:00

A arte conceitual define-se como o movimento artístico que defende a superioridade das idéias veiculadas pela obra de arte, deixando os meios usados para criar em lugar secundário.

Christo - castelo empacotado

O artista Sol LeWitt definiu-a como:

"Na arte conceitual, a ideia ou conceito é o aspecto mais importante da obra. Quando um artista usa uma forma conceitual de arte, significa que todo o planejamento e decisões são tomadas antecipadamente, sendo a execução um assunto secundário. A ideia torna-se a máquina que origina a arte."

Esta perspectiva artística teve os seus inícios em meados da década de 1960, contudo, já a obra do artista francês Marcel Duchamp, nas décadas de 1910 e 1920 tinha prenunciado o movimento conceitualista, ao propor vários exemplos de trabalhos que se tornariam o protótipo das obras conceituais, como os readymades, ao desafiar qualquer tipo de categorização, colocando-se mesmo a questão de não serem objetos artísticos.

Smithson

A arte conceitual recorre frequentemente ao uso de fotografias, mapas e textos escritos (como definições de dicionário). Em alguns casos, como no de Sol Lewitt, Yoko Ono (grupo Fluxus) e Lawrence Weiner, reduz-se a um conjunto de instruções escritas que descrevem a obra, sem que esta se realize de fato, dando ênfase à ideia no lugar do artefato. Alguns artistas tentam, também, desta forma, mostrar a sua recusa em produzir objetos de luxo - função geralmente ligada à ideia tradicional de arte - como os que podemos ver em museus.

Sua ênfase durou até os anos 80, porém é muito praticada até hoje.

Borofsky

Apesar das diferenças pode-se dizer que a arte conceitual é uma tentativa de revisão da noção de obra de arte arraigada na cultura ocidental. A arte deixa de ser primordialmente visual, feita para ser olhada, e passa a ser considerada como idéia e pensamento. Muitos trabalhos que usam a fotografia, xerox, filmes ou vídeo como documento de ações e processos, geralmente em recusa à noção tradicional de objeto de arte, são designados como arte conceitual. Além da crítica ao formalismo, artistas conceituais atacam ferozmente as instituições, o sistema de seleção de obras e o mercado de arte.

Borofsky

George Maciunas (1931 - 1978), um dos fundadores do Fluxus, redige em 1963 um manifesto em que diz: "Livrem o mundo da doença burguesa, da cultura 'intelectual', profissional e comercializada. Livrem o mundo da arte morta, da imitação, da arte artificial, da arte abstrata. Promovam uma arte viva, uma antiarte, uma realidade não artística, para ser compreendida por todos [...]". A contundente crítica ao materialismo da sociedade de consumo, elemento constitutivo das performances e ações do artista alemão Joseph Beuys (1912 - 1986), pode ser compreendida como arte conceitual.

Joseph Beuys

A década de 70 se caracteriza pela expansão da arte conceitual, isto é, da arte como idéia, através de meios anartísticos, operando com o corpo em performances, com novos meios tecnológicos, Multimeios e uma outra modalidade espacial e fragmentada de trabalho - Instalação. Há a aplicação de novas tecnologias que se associam à operação conceitual do artista, como arte e computador. Ocorre nessa época a revitalização do pensamento de Marcel Duchamp condenando a pintura, que para ele se situava muito aquém das possibilidades criativas do ser humano. HAPPENING, Intervenção, instalação, eat art, perfomance.

Beuys

É interessante notar que na Arte Conceitual o público é obrigado a deixar de ser apenas um observador passivo pois o entendimento da obra de arte não é mais direto. O público também é obrigado a refletir e sair da confortável situação de saber, por antecipação, avaliar se uma obra de arte é “ruim” ou “boa”.

Smithson

Não é mais Possível ir a uma exposição e dizer “essa paisagem está bem composta, a pintura é de qualidade”.
Questões clássicas das artes plásticas como a composição, estudo de cor e a uso da luz podem não ter sentido nenhum na arte conceitual.

Christo

FONTES:

http://www.itaucultural.org.br/AplicExternas/enciclopedia_IC/index.cfm?fuseaction=termos_texto&cd_verbete=3187

http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte_conceptual

http://www.mac.usp.br/mac/templates/projetos/seculoxx/modulo5/instalacao.html

http://www.mac.usp.br/mac/templates/projetos/seculoxx/modulo5/multimeios.html

http://www.artepratica.com/especiais/page64/page64.html

MINIMALISMO

2009-10-04T22:02:00.005-03:00

Movimento das artes visuais e da música que representa o ápice das tendências reducionistas na arte moderna, o minimalismo surgiu em Nova York no fim da década de 1960. Caracteriza-se pela extrema simplicidade de formas.

Surgido como reação à emotividade e ao Expressionismo Abstrato que dominou a produção artística da arte nos anos 50 do século XX, o Minimalismo apresenta a tendência para uma arte despojada e simples, objetiva e anônima.

Sol LeWitt

Os minimalistas consideravam a action painting, de traço intuitivo e espontâneo, muito personalista e sem substância. Defendiam que a obra de arte não deveria referir-se a outra coisa a não ser a si própria e, em seus trabalhos, evitaram associações extra-visuais.

Donald Judd

Se o expressionismo abstrato dominava as décadas de 1940 e 1950, o minimalismo era fenômeno dos anos 60. Conceito amplo, o minimalismo alude ou à redução da variedade visual numa imagem, ou ao nível de esforço artístico necessário para produzir tal redução.

A conseqüência é uma forma de arte mais pura e livre de mistura que quaisquer outras, despojada de referências não-essenciais e incontaminada pela subjetividade.

Joseph Kosuth

Recorrendo a poucos elementos plásticos e compositivos reduzidos a geometrias básicas, procura a essência expressiva das formas, do espaço, da cor e dos materiais enquanto elementos fundadores da obra de arte. "menos é mais".

O artista minimalista mais representativo foi o pintor Frank Stella, conhecido pelas suas pinturas austeras, constituídas por linhas e riscas de cor, paralelas, e pelas formas variadas e irregulares, embora geralmente simétricas, dos quadros.

Frank Stella

Embora tenha começado na pintura, a Arte Minimalista conheceu o seu maior desenvolvimento na escultura. Os escultores usam normalmente processos e materiais industriais, como aço, plástico ou lâmpadas fluorescentes, na produção de formas geométricas, explorando as relações espaciais e a capacidade de a escultura interagir com o espaço envolvente, apostando na experiência corporal do próprio espectador.

Donald Judd

Destacam-se as obras de Donald Judd, com as suas caixas uniformes em madeira, metal ou acrílico, pintadas com cores fortes, de Dan Flavin, com esculturas produzidas com tubos de luz fluorescente, de Sol LeWitt, com as construções em cubos e pinturas geométricas e de outros artistas como Robert Morris, Carl André, Richard Serra e Yves Klein.

Fontes:

http://members.tripod.com/arte20/minimalismo.htm

http://www.portalartes.com.br/portal/historia_minimalismo.asp

http://www.pitoresco.com.br/art_data/mnimalismo.htm

POP ART

2009-09-18T22:51:00.005-03:00

Movimento principalmente americano e britânico, sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954, pelo crítico inglês Lawrence Alloway, para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental, sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos.

Lichtenstein

Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp, o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950, quando alguns artistas, após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos, passaram a transformá-los em tema de suas obras.

Representavam, assim, os componentes mais ostensivos da cultura popular, de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. Era a volta a uma arte figurativa, em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. Sua iconografia era a da televisão, da fotografia, dos quadrinhos, do cinema e da publicidade.

Andy Warhol

Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo, ela operava com signos estéticos massificados da publicidade, quadrinhos, ilustrações e design, usando como materiais principais, tinta acrílica, ilustrações e designs, usando como materiais principais, tinta acrílica, poliéster, látex, produtos com cores intensas, brilhantes e vibrantes, reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande, transformando o real em hiper-real.

Andy Warhol - John Lennon

Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica, a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetos de consumo, nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo, como aconteceu por exemplo, com as Sopas Campbell, de Andy Warhol, um dos principais artistas da Pop Art.

Andy Warhol

Além disso, muito do que era considerado brega, virou moda, e já que tanto o gosto, como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza, a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar, em refinado, e aproximou a arte das massas, desmitificando, já que se utilizava de objetos próprios delas, a arte para poucos.

Principais Artistas:

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey, que realizou em 1960 para os filhos. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica, ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais, e reproduziu a mão, com fidelidade, os procedimentos gráficos.

Empregou, por exemplo, uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas. Cores brilhantes, planas e limitadas, delineadas por um traço negro, contribuíam para o intenso impacto visual.

Com essas obras, o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. Seus quadros, desvinculados do contexto de uma história, aparecem como imagens frias, intelectuais, símbolos ambíguos do mundo moderno. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração.

Andy Warhol (1927-1987).

Ele foi a figura mais conhecida e mais controvertida do pop art. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema, como Elvis Presley e Marilyn Monroe. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias, apesar da ascensão social e da celebridade.

Da mesma forma, e usando sobretudo a técnica de serigrafia, destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo, como garrafas de Coca-Cola, as latas de sopa Campbell, automóveis, crucifixos e dinheiro.

Produziu filmes e discos de um grupo musical, incentivou o trabalho de outros artistas, como o Basquiat, e uma revista mensa.

Cena do filme "Basquiat" - o primeiro ator interpreta Basquiat, e o segundo, representando Andy Warhol, é representado por nada mais e nada menos que David Bowie.

Fonte: www.historiadaarte.com.br

EXPOSIÇÕES EM AGOSTO E SETEMBRO - 2009

2009-08-27T22:35:00.008-03:00

Pessoal, não deixem de prestigiar as exposições de meus alunos e da professora Jacqueline no Centro Cultural Brasil Estados Unidos (rua Tijucas, 317. Joinville-SC) e a exposição de Pintura que acontecerá no Belas Artes.

Veja os cartazes:

Essa exposição demonstra os desenhos feitos pelas turmas infanto-juvenis do Belas Artes, das faixas etárias de 8 a 15 anos. Ela ficará até o dia 07/09/09. Aproveite! Professoras responsáveis: Jacqueline Cunha e Juliana Rossi.

Essa exposição demonstra os desenhos feitos pelas turmas a partir de 16 anos (adultos) do Belas Artes. Professoras responsáveis: Jacqueline Cunha e Juliana Rossi.

Essa exposição demonstra as pinturas dos alunos do curso de Pintura do Belas Artes. Professora responsável: Jacqueline Cunha.

EXPRESSIONISMO ABSTRATO

2009-08-22T21:08:00.005-03:00

O Expressionismo Abstrato foi um movimento que floresceu em Nova York a partir de 1940 e acabou exercendo forte influência sobre a Europa nas décadas de 50 e 60 desse século.

Franz Kline

Foi o primeiro movimento que seguiu o caminho inverso do tradicional: em vez de seguir da Europa para a América, foi da América para a Europa.

Entretanto, esse termo já era utilizado para alguns trabalhos de Kandinsky, em especial os do começo de sua carreira. Anunciava o surgimento de uma arte "verdadeiramente norte-americana", com forte domínio do subconsciente.

De Kooning

Guiados pelo automatismo

O automatismo, conceito forte em movimentos como o Surrealismo, aqui também encontra-se presente, principalmente na forma das Action Paintings, e tinha, entre seu principal expoente, Jackson Pollock.

AUTOMATISMO s.m. Caráter do que é automático. / Falta de vontade própria. / Diz-se de uma atividade literária, em que o autor se deixa levar exclusivamente pelo subconsciente.

Franz Kline

As principais características do Expressionismo Abstrato eram a revolta contra a pintura tradicional, a liberdade e a espontaneidade.

Quanto à espontaneidade, em especial, as Action Paintings de Pollock - outro nome pelo qual é conhecido o Expressionismo Abstrato, ou seja, um método de pintura que privilegiava a rapidez da execução, a espontaneidade "eruptiva" e condenava a premeditação - são bastante bem sucedidas.

Pollock

O Expressionismo abstrato vem do Surrealismo, porém Pollock, o principal precursor do movimento, descarta as imagens fantásticas do grupo europeu, priorizando as abstrações.

Um dos aspectos mais curiosos ligados à sua personalidade era a maneira como realizava suas obras: estendia a tela no chão, utilizando-se de varas, facas, colheres de pedreiros, gotejamento de líquidos e até areia, com a finalidade de tornar-se parte integrante de sua obra e fazer com que "a vida" da pintura "viesse à tona" (daí o conceito de Action Painting).

O termo expressionismo abstrato, entretanto, acabou ainda sendo aplicado à obra de artistas como Willem de Kooning (nascido na Holanda) e Mark Rothko (nascido na Rússia).

De Kooning

Pollock molhava os pincéis com tinta e não impunha contato direto entre a tela e o pincel, apenas deixava a tinta pingar e deslizar pela tela, criando um resultado um tanto inovador. Foi considerado como farsa por muitos, mas teve seu grande momento na crítica de arte e a aprovação de bons pintores que eram seus contemporâneos.

De temperamento difícil, misantropo, semi-exilado e alcoólatra, Pollock teve muito mais baixos que altos e morreu num acidente de carro aos 44 anos. Estava com sua namorada, bem mais nova e groupie de pintores, Ruth Kligman. Ela sobreviveu.

Pollock foi encarnado no cinema por Ed Harris, que além de protagonizar o filme a seu respeito, também produziu e dirigiu. Veja o trailer do filme: aparece o artista De Kooning, encarnado por Val Kilmer:

Veja uma breve biografia:

Fontes:

http://www.pitoresco.com.br/art_data/expressionismo_abs/index.htm

http://jacksorridente.wordpress.com/2008/08/24/pollock/

ABSTRACIONISMO

2009-08-15T14:14:00.005-03:00

A arte abstrata tende a suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro, entre as linhas e os planos, as cores e a significação que esses elementos podem sugerir ao espírito.

Kandinsky

Quando a significação de um quadro depende essencialmente da cor e da forma, quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade visível, ela passa a ser abstrata.

Kandinsky

O Abstracionismo apresenta várias fases, desde a mais sensível até a intelectualidade máxima.
Abstracionismo Sensível ou Informal, predominam os sentimentos e emoções. As cores e as formas são criadas livremente. Uma arte abstrata, que coloca na cor e forma a sua expressividade maior.

Kandinsky

Com a forma, a cor e a linha, o artista é livre para expressar seus sentimentos interiores, sem relacioná-los a lembrança do mundo exterior. Estes elementos da composição devem ter uma unidade e harmonia, tal qual uma obra musical.

WASSILY KANDINSKY (1866-1944), pintor russo, antes do abstracionismo participou de vários movimentos artísticos como impressionismo; também atravessou uma curta fase fauve e expressionista. Escreveu livros. Dezenas de suas obras foram confiscadas pelos nazistas e várias delas expostas na mostra de "Arte Degenerada".

Kandinsky

Kandinsky

Abstracionismo Geométrico, as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica.

Neoplasticismo, seu criador e principal teórico foi Piet Mondrian. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho, azul e amarelo). O ângulo reto é o símbolo do movimento, sendo rigorosamente aplicado à arquitetura.

PIET MONDRIAN (1872-1944), pintor holandês. Depois de haver participado da arte cubista, continua simplificando suas formas até conseguir um resultado, baseado nas proporções matemáticas ideais, entre as relações formais de um espaço estudado.

Mondrian

O artista utiliza, como elemento de base, uma superfície plana, retangular e as três cores primárias com um pouco de preto e branco. Essas superfícies coloridas são distribuídas e justapostas buscando uma arte pura.

Mondrian

Segundo Mondrian, cada coisa, seja uma casa, seja uma árvore ou uma paisagem, possui uma essência que está por tráz de sua aparência. E as coisas, em sua essência, estão em harmonia no universo. O papel do artista, para ele, seria revelar essa essência oculta e essa harmonia universal.

Ele procura, pesquisa e consegue um equilíbrio perfeito da composição, despojado de todo excesso da cor, da linha ou da forma.

Vestido de 1965, de Yves Saint Laurent, baseado na obra de Mondrian

Fonte: www.historiadaarte.com.br

Estatísticas do Blog

2009-08-07T13:14:00.009-03:00

VOTAÇÃO ENCERRADA!

Obrigada aos que votaram!

Quero compartilhar com vocês as estatísticas dos últimos 2 meses dos visitantes do blog. São cerca de 27 países visitantes, segundo o site Flag Counter.

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Em 1o. lugar está o Brasil,
em 2o. Portugal,
e em 3o., os E.U.A.

Veja um mapa-múndi onde demonstra onde estão os países visitantes:

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Assuntos mais pesquisados, segundo o site Feedjit:
1o. lugar: Grécia;
2o lugar: Egito;
3o lugar: Desenhos a lápis de cor, sépia e sanguínea.

Aqui vai o meu muito obrigada aos visitantes!
Sejam sempre bem-vindos! :)
Voce também é o responsável pelo sucesso do blog!

SURREALISMO

2009-08-01T11:48:00.008-03:00

Nasceu logo depois do Dadaísmo, cerca de 2 anos depois. Nos anos 20 e 30 floresceu na Europa e Estados Unidos. Primeiro começou como um movimento literário por André Breton, e da análise dos sonhos freudiana. O automatismo (maneira de criar sem o controle consciente) era usado para despertar o imaginário inconsciente.

Miró

Buscava deliberadamente o bizarro e irracional para expressar verdades ocultas, inalcançáveis por meio da lógica. Foram duas formas dentro do movimento: Joan Miró e Max Ernst praticavam a arte improvisada, distanciando-se o mais possível do controle consciente.
Já outros, como Dali, de Chirico e Magritte, usavam técnicas realistas para apresentar cenas alucinatórias que desafiavam o senso comum.

Dali - Persistência da memória

Desenvolvimento de uma arte que criticava a cultura européia e a frágil condição humana diante de um mundo cada vez mais complexo. Surgem movimentos estéticos que interferem de maneira fantasiosa na realidade. O surrealismo foi por excelência a corrente artística moderna da representação do irracional e do subconsciente.

Magritte

Este movimento artístico surge todas as vezes que a imaginação se manifesta livremente, sem o freio do espírito crítico; o que vale é o impulso psíquico. Os surrealistas deixam o mundo real para penetrarem no irreal, pois a emoção mais profunda do ser tem todas as possibilidades de se expressar apenas com a aproximação do fantástico, no ponto onde a razão humana perde o controle.

Hans Bellmer (escultura)

O Surrealismo apresenta relações com o Futurismo e o Dadaísmo. No entanto, se os dadaístas propunham apenas a destruição, os surrealistas pregavam a destruição da sociedade em que viviam e a criação de uma nova, a ser organizada em outras bases.

Magritte

Os surrealistas pretendiam, dessa forma, atingir uma outra realidade, situada no plano do subconsciente e do inconsciente. A fantasia, os estados de tristeza e melancolia exerceram grande atração sobre os surrealistas, e nesse aspecto eles se aproximam dos românticos, embora sejam muito mais radicais.

De Chirico

SALVADOR DALI

É, sem dúvida, o mais conhecido dos artistas surrealistas. Suas primeiras obras são influenciadas pelo Cubismo de Gris e pela pintura metafísica de Giorgio De Chirico. Começou a se interessar pela psicanálise de Freud, de grande importância ao longo de toda a sua obra.

Dali

Sua primeira viagem a Paris em 1927 foi fundamental para sua carreira. Fez amizade com Picasso e Breton e se entusiasmou com a obra de Tanguy e o maneirista Arcimboldo.
Ele criou o conceito de “paranóia critica“ para referir-se à atitude de quem recusa a lógica que rege a vida comum das pessoas . Segundo ele, é preciso “contribuir para o total descrédito da realidade”.

Dali

JOAN MIRÓ

Breton considerava Miró como o mais surrealista de todos. Ele queria banir a razão e soltar o inconsciente. Inventou signos biomórficos parecidos com objetos da natureza. Com os anos, essas formas foram ficando cada vez mais simplificadas. Miró dizia: “o importante é desnudar a alma”. “Miró não colocava um ponto numa folha de papel sem acertar direto ao alvo”, disse Giacometti.

Miró

A famosa magia de Miró se manifesta nas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência, mas difíceis de serem elucidadas, embora se apresentem de forma amistosa ao observador. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura, nas quais extravasou suas inquietações pictóricas.

Miró (produções mais tardias de Miró)

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“O sonho não pode ser também aplicado à solução das questões fundamentais da vida?” (fragmento do Manifesto do Surrealismo de André Breton, francês que lançou o movimento).
No mesmo manifesto, Breton define Surrealismo: "Automatismo psíquico pelo qual alguém se propõe a exprimir, seja verbalmente, seja por escrito, seja de qualquer outra maneira, o funcionamento real do pensamento".

Magritte

Humor, sonho e a contra lógica são recursos a serem utilizados para libertar o homem da existência utilitária. Segundo a nova ordem, as idéias de bom gosto e decoro devem ser subvertidas. O Surrealismo destacou-se nas artes, principalmente por quadros ou esculturas que expressavam os sonhos dos artistas. Porém não bastavam ser sonhos comuns, deveriam ser aqueles que tem formas variadas e confusas, como um boi com asas ou peixes andando nas nuvens.

Vladimir Kush - hoje em dia é comum vermos pintores surrealistas. Kush é da contemporaneidade, porém seu estilo é surrealista.

E o Surrealismo, mais além de sua dimensão artística teve um objetivo último, e em certo modo transcendente: atingir uma radical renovação da humanidade, através da transformação de seus esquemas cultuais, pois segundo Breton: "o homem tem guardado em seu próprio pensamento, uma realidade desconhecida da qual depende, sem dúvida, a organização futura do mundo".

Veja um trecho do filme "O cão andaluz" (1929), de Salvador Dali e Buñuel. Aviso: algumas cenas são fortes! (O filme realmente é bem surreal)!

Referências:
http://www.historiadaarte.com.br/surrealismo.html
http://pt.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
http://br.geocities.com/tetraides/O_Surrealismo/body_o_surrealismo.html
STRICKLAND, Carol. Arte comentada: da pré história ao pós moderno.

FUTURISMO

2009-07-31T22:05:00.008-03:00

O primeiro manifesto futurista foi publicado em 1909, dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". O Manifesto foi publicado em Paris, mas o Futurismo viria a desenvolver-se na Itália e, sobretudo, em Milão. Ao contrário dos movimentos anteriores que se restringiram às artes visuais, o Futurismo era muito mais abrangente estendendo-se a todas as produções intelectuais.

Balla

Repudiaram todos os valores do passado: à inteligência contrapunham a intuição; ao respeito pelas normas contrapunham a audácia e a provocação, elogiavam a agressividade e exaltavam a guerra, o militarismo, o patriotismo, chegando a assumir posições nacionalista e por esta razão considerados precursores do Fascismo.

Reivindicavam o culto do FUTURO: a cidade, as luzes elétricas, as locomotivas, o avião, o carro, as máquinas, as pontes, o movimento e o dinamismo. Os principais pintores do movimento foram Boccioni e Giacomo Balla.

Balla

Os futuristas saúdam a era moderna, aderindo entusiasticamente à máquina. Para Balla, "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". A incessante busca de uma solução formal que representasse o dinamismo conduziu os futuristas à diluição das formas, à justaposição das imagens, à fragmentação dos objectos em vários planos e representando pontos de vista simultâneos que se interpenetram, numa amálgama de movimentos, sons e cintilações de luz.

Boccioni

Para os futuristas, os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo, ou vários tempos num só espaço. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia.

Boccioni - Formas únicas de continuidade no espaço

O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. Procura-se neste estilo expressar o movimento real, registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel, mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço.

Giacomo Balla

GIACOMO BALLA

Em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas, embora sem chegar a uma total abstração.Mesmo assim, mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas, com a situação da luz e a integração do espectro cromático.

Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade, ou desintegração das formas, numa repetição quase infinita, que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento.

Balla

UMBERTO BOCCIONI (1882-1916)

Sua obra se manteve sob a influência do Cubismo, mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias.

Suas primeiras obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo.

Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica, somente mais tarde conseguiu adequar suas obras genuinamente aos preceitos futuristas.

Boccioni

Embora partilhem com os cubistas a estrutura formal, os futuristas nunca chegaram a colaborar com os cubistas.

O movimento perdeu a sua pujança logo após a 1.ª Grande Guerra. Boccionni morreu nas trincheiras e Marinetti ficou descredibilizado, já que a guerra que ele exaltava tinha causado a enorme destruição da Europa entre 1914 e 1918.

Fontes:

http://www.historiadaarte.com.br/futurismo.html

STRICKLAND, Carol. Arte comentada: da pré historia ao pós moderno.

EXPOSIÇÃO DE DESENHOS

2009-07-22T18:46:00.006-03:00

Essas são as últimas semanas para visitar a exposição de Desenho do Belas Artes, das turmas infantil, juvenil e adulto do curso de Desenho Artístico ministrados pelas professoras Juliana Rossi e Jacqueline N. Cunha.

A visitação vai até dia 08 de agosto de 2009.

De segunda a sexta-feira das 8 às 21h e sábado das 8 às 18h.
Local: Conservatório Belas Artes. Rua Aubé, 427 - Joinville/SC.
Telefone: +55(47) 3026-1816.
E-mail: juliana@belasartesjoinville.com.br
Site: http://www.belasartesjoinville.com.br

Veja alguns desenhos da exposição que foram divididos em 3 etapas: desenhos em preto e branco, desenhos coloridos e desenhos em perspectiva.

Desenhos coloridos:

Desenhos em preto e branco:

Desenhos em perspectiva:

EXPRESSIONISMO

2009-07-11T01:00:00.014-03:00

O Expressionismo é a arte do instinto, trata-se de uma pintura dramática, subjetiva, “expressando” sentimentos humanos. Utilizando cores irreais, dá forma plástica ao amor, ao ciúme, ao medo, à solidão, à miséria humana, à prostituição. Deforma-se a figura, para ressaltar o sentimento.

Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930. Exteriorizar os sentimentos.

Principais características:

* pesquisa no domínio psicológico;

* cores resplandecentes, vibrantes, fundidas ou separadas;

* dinamismo improvisado, abrupto, inesperado;

* pasta grossa, martelada, áspera;

* técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem, fazendo e refazendo, empastando ou provocando explosões;

* preferência pelo patético, trágico e sombrio.

Obra de Münch

Münch (1863-1944) - foi um dos primeiros artistas do século XX que conseguiu conceder às cores um valor simbólico e subjetivo, longe das representações realistas.Nascido em Loten, Noruega, em 1863, Munch iniciou sua formação na cidade de Oslo, no ateliê do pintor Krogh. Realizou uma viagem a Paris, na qual conheceu Gauguin, Toulouse-Lautrec e Van Gogh.

Detalhe de obra que mostra autorretrato de Münch

Uma de suas obras mais importantes é O Grito (1889).

"O Grito é um exemplo dos temas que sensibilizaram os artistas ligados a essa tendência. Nela a figura humana não apresenta sua linhas reais mas contorce-se sob o efeito de suas emoções. As linhas sinuosas do céu e da água, e a linha diagonal da ponte, conduzem o olhar do observador para a boca da figura que se abre num grito perturbador. Perseguido pela tragédia familiar, Munch foi um artista determinado a criar 'pessoas vivas, que respiram e sentem, sofrem e amam'. Recusou o banal, as cenas interiores pacíficas, comuns na sua época. A dor e o trágico permeiam seus quadros."

Leia de onde veio a inspiração de Münch para criar este quadro: “Passeava com dois amigos ao pôr-do-sol – o céu ficou de súbito vermelho-sangue – eu parei, exausto, e inclinei-me sobre a mureta– havia sangue e línguas de fogo sobre o azul escuro do fiorde sobre a cidade – os meus amigos continuaram, mas eu fiquei ali a tremer de ansiedade – e senti o grito infinito da Natureza.”

É assim que o próprio Munch nos dá a definição da solidão e angústia estampada na sua pintura mais famosa.

Paul Klee (1879-1940) - considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista.

Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza, este pintor dedicou-se durante toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito.

A grande descoberta de sua expressividade ocorreu em sua primeira viagem a Túnis. As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. Iniciou uma fase de grande produtividade, com quadros de caráter quase surrealista, criados, segundo o pintor, em cima de "matéria e sonhos".

Amadeo Modigliani (1884-1920) - iniciou sua formação como pintor no ateliê de Micheli, em Livorno, sua cidade natal. Em 1902 entrou na Academia de Florença e um ano mais tarde na de Veneza. Três anos depois mudou-se para Paris. Nessa cidade travou conhecimento com os pintores Utrillo, Picasso e Braque.

Em 1908 participou do Salão dos Independentes e lá conheceu Juan Gris e Brancusi. Produziu então suas primeiras esculturas motivado pelas peças de arte africana chegadas à França das colônias. Esse aspecto de máscara foi uma das constantes nos seus retratos e nus sensuais. Modigliani teve em comum com os cubistas e expressionistas o distanciamento das academias, a revalorização da cor e o estudo das formas puras.

Sua visão tão subjetiva dos seres humanos e a emotividade de suas cores o aproximam mais do reduzido grupo de expressionistas franceses. Apesar disso, pode-se muito bem dizer que sua obra, elegante, recatada e ao mesmo tempo misteriosa, pertence, juntamente com a dos mestres Cézanne e Van Gogh, para citar alguns, à dos gênios "solitários" (pois não se sabe a que movimento artístico da História da Arte ele realmente pode se enquadrar, por seu estilo único).

Veja cenas do Filme "Modigliani" (com Andy Garcia): nesta cena, Modigliani e Picasso (que demonstram-se como rivais no filme), visitam Renoir (do Impressionismo):

Cena do filme "Modigliani": a rivalidade entre Modi e Picasso era tão grande, que há um causo contado no filme de que Picasso pintou a musa de Modi, Jeanne, o que o deixou enfurecido:

Outra artista única, que é difícil de enquadrar na história da Arte, é a Frida Kahlo.

Para saber mais sobre a vida dela, clique aqui. Muitas vezes ela é enquadrada como expressionista ou então surrealista. Mas não importa, o que importa é que ela foi uma grande artista, se não uma das maiores na pintura universal.

Ou então veja o filme dela, feito com a Salma Hayek. Vale a pena ver!!! O filme é maravilhoso!

Veja o trailer do filme:

Texto sobre o Expressionismo e artistas extraído do site: http://www.historiadaarte.com.br/expressionismo.html (MARTINS, Simone R.; IMBROISI, Margaret H.)

TOP 100!

2009-07-07T00:58:00.004-03:00

Pessoal, o blog está entre os TOP 100 do TOP BLOG, na categoria CULTURA! Confira aqui: http://www.topblog.com.br/top.php

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A votação vai até o dia 11 de Agosto! Voteee!

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Conto com vocês! ;)

DADAÍSMO

2009-06-05T12:57:00.009-03:00

Fundado em Zurique, em 1916, por um grupo de refugiados da Primeira Guerra Mundial, o movimento Dadá mesmo que muitas vezes sem sentido, tinha um objetivo de não-sem-sentido: protestar contra a loucura da guerra. Dez milhões de pessoas foram massacradas ou ficaram inválidas. Não admira que os dadaístas achassem que não podiam mais confiar na razão e na ordem estabelecida. Sua alternativa então foi subverter toda autoridade e cultivar o absurdo.

Marcel Duchamp.

Embora a palavra dada em francês signifique cavalo de brinquedo, esta foi escolhida aleatoriamente, abrindo-se uma página de um dicionário e inserindo-se um estilete sobre a mesma. Isso foi feito para simbolizar o caráter anti-racional e nonsense do movimento, claramente contrário à Primeira Guerra Mundial. Entre os principais nomes do movimento estão, na Alemanha, Raoul Haussmann, Johannes Baader, John Heartfield, Kurt Schwitters, Max Ernst. Nos EUA, encontrava-se Francis Picabia, Marcel Duchamp (oriundo da França) e Man Ray.

Man Ray.

O movimento era direcionado contra as ideias da burguesia que tratava de vida e arte. Esquecendo das noções de lógica, moralidade ou convenção, os Dadaístas buscaram criar uma anti-arte provocativa e a rejeitar qualquer sistema estético.

Colagem de Hannah Höch

As formas mais usadas de suas expressões artísticas foram a formação de novas construções – figuras, esculturas ou poemas proclamados em voz alta – e principalmente montagem, assemblage, e colagem.

L.H.O.O.Q. - Marcel Duchamp. Duchamp fez um bigode com caneta em uma reprodução da Monalisa. As letras do título desta obra ditas em francês traduzidos para o português, significam: "Ela tem o rabo quente".

O Dadaísmo é caracterizado pela oposição por qualquer tipo de equilíbrio, pela combinação de pessimismo irônico e ingenuidade radical, pelo ceticismo absoluto e improvisação. Enfatizou o ilógico e o absurdo.

Ready-made de Duchamp.

Entretanto, apesar da aparente falta de sentido, o movimento protestava contra a loucura da guerra. Assim, sua principal estratégia era mesmo denunciar e escandalizar. Procurava chocar um público mais ligado a valores tradicionais e libertar a imaginação via destruição das noções artísticas convencionais.

A Fonte, ou Mictório, de Marcel Duchamp.

Acredita-se, ainda, que seu pessimismo venha de uma reação de desilusão causada pela Primeira Guerra Mundial. A princípio, o movimento não envolveu uma estética específica, mas talvez as formas principais da expressão dadaísta tenham sido o poema aleatório e o ready-made criado por Marcel Duchamp. Sua tendência extravagante e baseada no acaso serviu de base para o surgimento de inúmeros outros movimentos artísticos do século XX, entre eles o Surrealismo, a Arte Conceitual, a Pop Art e o Expressionismo Abstrato.

Fotografia de Man Ray.

O violino de Ingres, Man Ray.

Referências:

ROSSI, Juliana. A colagem como recurso poiético no ensino da arte. Trabalho de Conclusão de Ensino, Joinville: UNIVILLE, 2006.

ELGER, Dietmar. Dadaism. Germany: Taschen, 2004.

Todas as fotografias foram retiradas de sites da Internet.